Entrevista con Thomas Robson
oct 20, 2015
Entrevista con Thomas Robson


© Thomas Robson

Entrevista con Thomas Robson
Imágenes: cortesía de Robson Studio

 

 

 

El artista gráfico Thomas Robson es el autor de la serie Fluid Pigments, una obra metamodernista que se basa en la mezcla del arte digital con la pintura acrílica, junto con la fotografía, la ilustración y el diseño gráfico. Hablamos con él sobre esta dinámica visual propia que contrasta lo clásico y lo moderno.

 

 

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© Thomas Robson

 

 

DB: ¿Cómo se te ocurrió la idea de la serie Fluid Pigments? ¿Es arte digital o trabajas algunas veces con pintura real?

 

Thomas Robson: Estaba mezclando colores al óleo en una paleta antes de pintar cuando limpié el pincel en un  ejemplar viejo de Vogue y el efecto fue una interacción visualmente irresistible por las pinceladas físicas, aplicadas de manera inconsciente, sobre las imágenes de la revista. Esta combinación de colorantes con texturas físicas creó un sorprendente cortocircuito visual que interrumpía el contexto de las imágenes originales y ofrecía irresistibles interacciones entre las asociaciones residuales de las imágenes originales y las disonancias de las colisiones visuales impuestas.

 

Cuanto más experimento con técnicas de descontextualización, transposición y superposición brotan más distorsiones visuales interesantes. Pero la idea clave es que el componente visual más poderoso de estas composiciones es el uso y la manipulación física del óleo y de las pinturas. Mis pinceladas pueden parecer, a primera vista, hechas al azar y sin estructura. Pero, en realidad, son el resultado de una amplia prueba y error en el lienzo. Todo para lograr las pinceladas y texturas que mejor quedan con los elementos y fondos propios del collage de artes plásticas.

 

Mi proceso de creación de imágenes comienza con el estudio y cotejo del origen de las imágenes en impresión física. Entonces escaneo, fotografío e imprimo o dibujo los elementos con los que me gustaría experimentar. Mezclo los colorantes líquidos con la fuente de la imagen hasta que una composición salta a la vista. Para que las imágenes sean un éxito necesito combinar lo resonante con lo disonante hasta alcanzar la yuxtaposición crítica de elementos, lo cual coloca a las imágenes con su nueva dinámica visual. Cuando creo que una imagen funciona, escaneo los componentes del collage y hago la composición final de manera digital.

 

 

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© Thomas Robson

 

 

DB: Regularmente escoges pinturas con dos siglos de antigüedad e intervienes en ellas. Este es un punto de encuentro entre la pintura romántica y el arte contemporáneo. ¿Cuál es tu intensión al trabajar así?

 

TR: Como consecuencia de mi experimentación, mis encuentros visuales reorganizaron la estética de las imágenes originales. Para mí, las imágenes de este periodo, como consecuencia del peso total del paquete cultural que los rodea, crean la más fuerte y más irresistible de las dicotomías visuales. Además se generan ciertas tensiones cuando su forma resulta alterada por las intervenciones visuales y las técnicas artísticas de apropiación. Estas imágenes híbridas incrementan la accesibilidad, interrumpen lo dado y amplían la gama de la respuesta del espectador y su conciencia visual.

 

Son imágenes que, aunque estéticamente sean armoniosas, provocan que los ojos y las mentes de los espectadores exploren alrededor de ellas. Permiten pues, que nuevos significados entren y salgan de vista y faciliten el diálogo visual con la imagen y sus asociaciones residuales. Para mis ojos el resultado de mis imágenes híbridas es algo mucho más reflexivo respecto de la manera en que consumimos imágenes diariamente en nuestra excesivamente mediada, remezclada e hiperamplificada cultura visual.

 

 

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db: Desde Duchamp, hay toda una estética y lenguaje de apropiación. ¿Te consideras dentro de esa tradición?

 

T: Es una pregunta difícil de responder. Sí, ciertamente utilizo las técnicas de apropiación, pero para estar cómodo con estar “en esa tradición” siento que necesito desarrollar más mi creación de imágenes. Después de todo uno tiene que ser humilde ante los valientes infractores e incendiarios culturales que dieron a luz al movimiento de apropiación, pues a pesar de su longevidad e historia aún sostiene un lenguaje visual y una gramática que nos permite atacar y exitosamente subvertir la hegemonía cultural visual de nuestro mundo saturado de medios de comunicación.

 

Quizá está más relacionado con mi práctica el grupo emergente de ‘artesanos’ que copian, transforman y remezclan medios bajo una agenda libre que consiste en producir un arte que es idiosincrásico, emotivo y que provoca cuestionamiento para renegociar la naturaleza del ver e interpretar las imágenes.

 

En Europa se comienza a describir como ‘metamodernismo’, un nuevo movimiento postpostmoderno, oscilante entre el modernismo y el postmodernismo. Un gran resumen de algunos de los principios subyacentes a esta cultura se puede encontrar en Everything is a Remix, de Kirby Ferguson.

 

 

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DB: Trabajas con imágenes relativamente conocidas pero luego intervienes en ellas y bloqueas la cara de las personas retratadas. Se convierten en seres anónimos, mientras que la pintura original cuelga en un reconocido museo. ¿Cómo entiendes esta ambivalencia entre hacer anónima una persona famosa, histórica?

 

TR: El uso de las intervenciones del colorante líquido para desfigurar u ocultar los rostros existentes permite los retratos híbridos. El resultado es la creación de imágenes compuestas que interrumpen con éxito un gama de respuestas visuales –exponencialmente amplia– al intentar entender las discrepancias visuales y la mutabilidad de las normas compositivas colapsadas.

 

Vamos a considerar la fuente de imágenes y su contexto original. Es un producto altamente mediatizado, curado y editado de su época. Es arte creado predominantemente bajo las constricciones del patrocinio europeo que exigió un estilo altamente confiado de presentación. No tiene ninguna verdad fundamental. Esto es algo idealizado que escapa a cualquier crítica social contemporánea significativa en su creación. En muchos casos los retratos fueron comisionados como representaciones idealizadas del poder y la jerarquía social. La ropa, los fondos poblados por criados, los caballos de pura sangre, los parques idealizados y las grandes casas de Palladio se combinan para enviar un mensaje, no precisamente de inclusión. Incluso hoy en día, el acceso a estas imágenes es, en el contexto de espacios de galerías, altamente mediatizadas y curadas.

 

 

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DB: Un elemento muy importante en su trabajo es el color. La pieza de pintura colorida contrasta fuertemente con la imagen de fondo y hace toda la obra de arte. ¿Cuáles son las influencias que ha recibido para ello? De alguna manera me recuerda a Jackson Pollock…

 

TR: Tu análisis es correcto: el tono y la saturación del color en combinación con las marcas de pincel y textura es el catalizador dominante que crea y sustenta las disonancias de gran alcance visual de las imágenes.
La variabilidad en la ‘calidad’ de imágenes antiguas en mi sitio web fácilmente atestigua al hecho de que lo que parece abstracto y azaroso requiere un profundo nivel de desarrollo iterativo y creativo para tener éxito. Sin embargo, una ventaja clave de esta variabilidad es que alimenta mi necesidad de desarrollar y mejorar mi práctica.
Sin embargo, si estás buscando grandes influencias en mi trabajo, yo diría que no es un artista individual sino más bien la rica mezcla de inmersión de perspectivas, comentarios y artistas que aparecen en el documental seminal de Robert Hughes “Mona Lisa Curse”. Ver a Robert Rauschenberg soplando aparte formas culturales y contenidos de medios de comunicación a través del uso innovador de la composición y pigmentos es ver el genio trabajando.

 

 

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